diumenge, 17 de desembre del 2017

CALIGULA




“El mundo, tal como está hecho, no es soportable. Por eso necesito la luna o la felicidad o la inmortalidad. En definitiva, algo que quizás sea insensato pero que no sea de este mundo". Calígula no està boig. No és un emperador malalt. És un tirà, un dèspota, un home autodestructiu, un exterminador plenament conscient. Per això, el mateix Mario gas, el responsable de portar l'obra d'Albert Camus que es va estrenar al Festival de Teatre Clàssic de Mèrida  ha deixat de banda la bogeria per no eximir-lo de la seva maldat. Aquest Calígula lúcid, despietat i cruel se sustenta sobre les espatlles d'un impressionant Pablo Derqui. Des de la seva primera aparició sap viatjar amb lucidesa pel procés d'autodestrucció de l'emperador romà posant l'accent en la seva tortura interna, la seva ira, la seva supèrbia, la seva destrucció despietada i lògica però també els seus dubtes i inseguretats.

" No estoy loco. Incluso creo que nunca he sido tan razonable. He sentido la necesidad de lo imposible", diu amb una presència i una dicció perfecta en un dels seus primers parlaments. Mario Gas ha volgut que aquest muntatge posi l'accent en aquest Calígula polièdric que passa del que és particular a allò col·lectiu. La mort de la seva amant i germana Drusil·la és el detonant que li fa especular amb el seu propi dolor i infringir els altres amb un poder despietat i sense límits. És aquesta reflexió nihilista sobre l'absurd d'una vida finita la qual el converteix en un exterminador.


En l'obra hi ha una formulació de l'existencialisme, l'horror de la vida. És molt més que la simple destrucció  d'un tirà. Hi ha una lluita interior davant aquesta mena de desemparament existencial que té la lluna com a metàfora, però que parla del pas del temps, finitud i, sobretot, és una reflexió gens agradable sobre l'existència de l'ésser humà. Camus va deixar escrit que no volia que Calígula es representés amb togues romanes ni es desenvolupés a la Roma imperial, i per aquesta raó Paco Azorín ha creat una escenografia inclinada inspirada en el Palazzo della Civiltà del Lovoro de Roma que evoca aquestes construccions del feixisme italià de l'època de Mussolini.


Però l'obra fuig de l'historicisme i no es desenvolupa en aquests anys trenta sinó que aquesta plataforma de fusta, que es converteix ara en una tomba, ara en un jacuzzi, ara en una tribuna, evoca la nuesa del conflicte vital que trasbalsa a Cayo i es complementa amb un vestidor monocromàtic d'Antonio Belart basat en vestits de jaqueta o fracs amb el blanc com a color dominant. El major encert de Mario Gas és fugir del tòpic del tirà boig i afinar la mirada en aquesta maldat objectiva i conscient que exerceix un desesperat Calígula.


"Yo soy puro mal", diu l'emperador, que també admet que "governar és robar" i utilitza el "poder sense límits fins a negar l'home i el món". "Aquí es parla de la corrupció política, de les castes, dels privilegis, de la falsedat i l'honestedat. No és que ressoni actual, és que estem immersos en els abusos de poder. És un text ideològica i políticament incorrecte. Calígula va contra les elits corruptes. Diu que evita la guerra però que li resulta fàcil matar. És una obra complexa, com el seu autor, que segueix esglaiant per la magnitud de les preguntes que planteja.


Derqui aconsegueix convertir a aquest tirà que exerceix el poder "per compensar l'estupidesa en un monstre superb que està per sobre del bé i del mal, o en aquest cas dels déus com a únic home lliure de l'imperi. i en aquest afany, Calígula trenca dràsticament el seu to a l'equador de l'obra amb una cridanera performance a ritme de 'Let' s dance 'en què la Màscara i Joker apareixen com en una tómbola donant pas a un Cayo (David) Bowie, amb malles de lluentons i raig inclòs a la cara. Remena la cintura fanfarronejant que és més que Venus per tornar-se un tirà pop, un més dels molts que han poblat i poblen la nostra història i la nostra actualitat a cop d'arbitrarietat.


Al costat d'un superb Derqui, Mònica López brilla com a Cesònia en els seus xocs amb Calígula; David Vert com un correcte Helicó; Bernat Quintana com a Escipió i Borja Espinosa com a Quereas destaquen sobre uns corifeus manifestament millorables. Ells són els altres responsables i culpables del desviament d'aquest tirà al qual el poble encoratja i consent  perquè, encara que vulgui acabar amb ell, no és un altre sinó Calígula i la seva torturada psique el que entra al bucle de la seva pròpia destrucció.

"
Los hombres mueren y no son felices", és la conclusió a què arriba aquest emperador que acaba convertint-se en un humà perdut davant el no-res, aquest no-res que regeix la vida humana amb la que obre i tanca aquesta versió de Gas fidel al text de Camus. Perquè aquest incestuós, psicòpata i torturat Calígula, mentre és travessat pels acers dels patricis, representa la desesperança del nostre temps quan entén que mai aconseguirà fer possible l'impossible i assaltar la lluna.










dilluns, 4 de desembre del 2017

TIERRA DE DIOS



Aquest amor sorgit entre els dos joves és magníficament escenificat, de forma molt eròtica i sensual, per Francis Lee. Primer de tot es tracta d'una lluita, una amarga lluita en tots els aspectes. Gheorghe aconsegueix accedir al monstre i perdedor Johnny. L'agressió es converteix en passió, alhora que es converteix en tendresa. A causa de la magnífica representació gairebé màgica de la natura com si d'un conte de fades es tractés, on Francis Lee aconsegueix amb gran precisió que l'amor, el paisatge i la llum es fonguin en una sola unitat. Aquesta relació inesperada entre els dos joves es desenvolupa de la manera més natural, mostrada no només a través de la seva intimitat compartida, sinó també per mitjà de poderoses i belles imatges d'un accidentat terreny que els envolta en tot moment.
.
D'aquesta manera, el director britànic aconsegueix una memorable estudi i exploració no només de la sexualitat, sinó també de la masculinitat, de la diversitat cultural, les responsabilitats i la família, utilitzant el seu entorn geogràfic amb la mateixa eficàcia que Cims Borrascosos ( 2011) d'Andrea Arnold o Kes (1969) de Ken Loach, totes dues situades en els desolats erms de Yorkshire .Francis Lee presenta esplèndides perspectives de paisatges, escenificant la naturalesa i la corporeïtat masculina, tant dels cossos ben formats dels joves com del cos deteriorat per excés de treball del pare de Johnny. A la força poderosa d'aquest paisatge, en la crueltat de la natura i en les persones de ment estreta, el director intenta descobrir una bellesa secreta i una poesia oculta.

A Tierra de Dios, observem innombrables primers plans de mans, mans realitzant el seu treball, tocant animals, i fins i tot buscant i acariciant altres mans, com a part d'un llenguatge carregat de simbolismes que suggereix i anhela companyia, proximitat o el descobriment d'una nova llar, una nova pàtria. La comparació amb Brokeback Mountain d'Ang Lee (2006) és inevitable i en certa manera tenen moltes similituds, però Tierra de Dios va molt més enllà, és més profunda i això el que la fa especial, diferent i única. A diferència de la pel·lícula d'Ang Lee, no és l'homofòbia de l'entorn rural el que s'interposa en el camí de la felicitat dels dos joves.

De fet notem com l'àvia de Johnny tolera la relació entre ells perquè se sent commoguda del canvi positiu del seu nét, i fins i tot al poble saben de la seva condició sexual. La xenofòbia a l'estranger, l'hostilitat a l'entrada d'immigrants a la recerca de treball és l'element conflictiu al film i, un dels pilars sobre els quals es va recolzar el Brexit al Regne Unit. Tant Josh O'Connor com Alec Secareanu realitzen unes magnífiques actuacions, gairebé impecables, però destaco especialment la de Josh com Johnny.

És sorprenent veure com s'executa de manera meravellosa aquesta lenta transformació del seu personatge, que passa d'un tipus mascle alfa a una persona sensible i afectuosa. La interpretació continguda i matisada de Josh O'Connor al llarg del metratge és absolutament brillant. Se'ns presenta com un individu dolgut, solitari i enutjat, però a mesura que avança la pel·lícula, comprenem, sentim i justifiquem el seu comportament, i desitgem que sigui feliç, i per a això, només hi ha una persona que ho pot aconseguir.

Alec Secareanu com Gheorghe és l'altra peça d'aquesta meravellosa pel·lícula. Es tracta d'una persona intel·ligent i educada, sap mantenir el control de les situacions i transmet molta seguretat al seu voltant. No coneixem gairebé res de la vida i el passat de Gheorghe, ja que Tierra de Dios és, abans que res, la història de Johnny, i més enllà d'això, és l'efecte transformador que té Gheorghe en ell. Secareanu ofereix igualment una valenta actuació i proporciona el contrapès optimista i la connexió emocional necessària per fer que la història d'amor entre dos s'elevi per sobre dels tristos, freds i desolats paisatges de Yorkshire.

La pel·lícula funciona gairebé sense música, amb el soroll ambiental en la majoria del metratge, proporcionant l'atmosfera adequada a la narració. Un dels aspectes més cridaners de la pel·lícula, són els silencis. És increïble la capacitat de Francis Lee per mantenir constantment tot l'interès de l'espectador a través de silencis controlats. Moltíssimes escenes al llarg de la pel·lícula poden passar gairebé sense dir-se una paraula, sense música de fons, només els actors, el paisatge, l'assossec i la pau existent entre els dos. Els silencis són capaços de provocar tantes emocions i fer sentir tantes coses alhora, que són un dels majors motius pels quals Tierra de Dios se senti tan íntima, profunda i magnetitzant.